Artist Statement (english) 2018

 

I believe that I as an artist can make images of ‘vitality’ and the artwork can function like an instrument to refresh or revitalise our mind (and soul) - similar to the idea of William Blake: "If the doors of perception were cleansed everything would appear to man as it is, infinite".

 

Since my childhood I seek to build images of emotional resonance that may infuse momentary loss of identity - and the catharsis of freedom that comes with it. My images are in a (pictorial) land somewhere between describing the delight of perception and abstraction as nihilism.

For me a line in a certain length, colour tone, form and texture is a vibration of meaning of so many layers of brain perception, symbol and emotional gestalt. Art for me is not an illustration, idea or a representation it is rather like a functioning language of its own: my silent Morse code of emotions, perceptions and language.

It is like every painting is a symbol/atom in a bigger alphabet. Painting for me is a kind of silent writing with the whole scale of the body - almost like a kind of painterly eurythmy.

 

From 2007 - 2016, I embarked on a painting and visual field research across Europe, living in Venice, Rome, Milan, Paris and Athens, visiting the artworks of the European Masters, researching religious and deific iconography, and exploring the history and meaning of traditional women costuming that all still influence and make up my work today.

Especially the Ancient and contemporary Athens and Greece has had a huge and life changing influence to both my work and persona. I lived partly or full time in Athens for 6 years (2011-2016) and I stayed so long because I realised immediately when arriving in 2011 that aspects of my own art understanding were similar to that of the Ancient Greeks. Furthermore the strong light in Greece did help me to develop artworks with colour used and painted as if it was light itself or the idea of illuminattion.

 

Now that I live in Copenhagen, I continue to go some months per year to Greece to focus on my pictorial research on colour and ancient greek art.

 

My daily practice and main focus is painting. Painting fits my temperament, agreeing to its manual construct that exposes everything, including the emotions (or lack of them) of its maker. Painting's architecture and dna for me functions like a visual example of what is defined by Chaos Theory: the quality of the whole is determined by even the smallest gesture, which may seem tiny or irrelevant.

 

I build up my paintings from sources of either random found photography, photography I take myself, images of art historical works, and sketches made of an object or person, or directly from imagination.

My work always discusses the figure and scale of the body - and I start with watercolour or gouache, developing an emotional presence in the arrangement of the figure, afterwards upscaling the works to canvas or paper. I try to never lose the the simple line, the strength of almost nothing, the lightness of nihilism in a few, clear strokes of the brush.

 

Within my pictorial arrangement of paintings I use the photographic method of negative/positive. The positive/negative is normally a photographic way of thinking, but used in painting it serves exactly as a metaphor of turning an emotion upside down. Furthermore the negative method also serves as a way to go away from the white canvas/background.

 

Some series of works exist of many paintings in the same motif repeatedly painted in different colour combinations and exhibited together, discussing ideas of light and approximation of reality (or dream). Also I use scaling (size wise) as a method. Scaling a tiny work to a huge piece and vice versa is pictorially a method based on the endless and indifferent grid and a free moving entities.

 

My approach to use both intense or delicate color is representative of both the rough, hard aspects of our emotional lives alongside the moments that are sweet and full of love, aiming to portray the vitality of human emotion in balance and to include our lightness being.

 

The formal use of collaging and re-sampling of images of art history is based on my idea of collective memory and employed with a hope for a sense of freedom, to decide partly for ourselves who we are. As a female artist, by re-using some of the cliches of art history, I work to reframe the meaning of the original image into a new approach that seeks the liberty to do whatever she wants with history, for the sake of a more healthy, ethical and holistic approach to the Self.

 

PAINTING, 2018, AUGUSTA ATLA

Vitality, growth, joie de vivre, synesthesia, garden of Eden, butterfly burn your wings in my arms (Helios).

Demeter, heal our wounds, colours, up, swirl !

ATELIER

Copenhagen

Denmark

2018

ATELIER at patron

PJ Lassen's barren

Denmark

2008

Beskrivelse af kunstnerisk arbejde (dansk) 2018

 

Jeg mener at jeg som kunstner kan skabe billeder på begreber som Vitalitet og Ynde og at kunstværket kan fungere som et instrument til forfriskning eller revitalisering af vores sind (og sjæl) - som William Blake i et digt formulerer: "If the doors of perception were cleansed everything would appear to man as it is, infinite".

 

Siden min barndom har jeg søgt at skabe billeder med følelsesmæssig resonans der kan fremelske et øjeblik af tab af identitet - og den oplevede frihed, der følger med (katharsis).

Mine billeder er billedligt både at beskrive sanserne og abstraktion som ideen om tomhed.

For mig er en linje i en vis længde, farvetone, form og tekstur en vibration af betydningen af ​​så mange lag af perceptions opfattelse, symbol og følelsesmæssig gestalt. Kunst for mig er ikke en illustration, ide eller en repræsentation, det er snarere som et fungerende sprog alene: min tavse Morse kode for følelser, opfattelser og sprog. Det er næsten som om hvert maleri er et symbol / atom i et større alfabet, dermed er maleri næsten som en slags malerisk eurytmi.

 

Fra 2007 til 2016 tog jeg på en rejse, et maleri- og visuel research gennem Europa, jeg boede i Venedig, Rom, Milano, Paris og Athen, besøgte de europæiske mestres kunstværker, undersøgte religiøs ikonografi og traditionelle kvinder kostymers historie og geografi - denne research påvirker stadig på mit arbejde i dag.

Især den antikke og nutidige Athen og Grækenland har haft en stor og livsforandrende indflydelse på både mit arbejde og min person.

Jeg boede delvist eller fuldtid i Athen mellem 2011-2016 og jeg blev der så længe, fordi jeg straks indså ved ankomst i 2011, at nogen vigtige aspekter af min egen kunstforståelse (som kunstner i udvikling af egn kunst) og Antikkens kunstforståelse havde ligheder.

Samt det stærke lys i Grækenland var kæmpe hjælp til udvikling af mine værker der er baseret på ideen om maleriets farve som lys.

 

Nu hvor jeg bor i København rejser jeg stadig til Grækenland nogen måneder om året, besøger arkæologi og bruger lyset til at male nye værker.

 

Min daglige praksis og fokus er maleri. Maleri passer til mit temperament - den manuelle konstruktion, der eksponerer alt, herunder følelser (eller mangel på dem) af dens skaber. Maleriets arkitektur og dna for mig fungerer som et visuelt eksempel på, hvad der er defineret af Kaos teorien: kvaliteten af ​​hele er bestemt af selv den mindste gestus, som kan virke lille eller irrelevant.

 

Jeg opbygger mine malerier fra kilder til enten tilfældigt fundet fotografi, fotografi jeg tager selv, billeder af kunsthistoriske værker og skitser af et objekt eller en person eller direkte fra min fantasi.

Mit arbejde diskuterer altid kroppens figur og skala - jeg begynder med akvarel eller gouache, udvikler en følelsesmæssig tilstedeværelse i arrangementet af figuren, efterfølgende skalerer jeg værkerne op (på lærred eller papir). Jeg forsøger aldrig at miste den enkle linje, styrken af ​​næsten ingenting, nihilismens lethed i nogle få, klare streger af penslen.

 

Mine malerier skaber jeg delvis udfra metoden of teorien om positiv/negativ. Det positive / negative er normalt en fotografisk tankegang, men brugt i maleri tjener den som ent metafor for at vende en følelse op og ned. Desuden tjener den negative metode også som en måde at gå væk fra det hvide lærred / baggrund.

 

Nogle værker er større serier af værker og består af flere malerier i samme motiv, der gentagne gange er malet i forskellige farvekombinationer og udstillet sammen.

Jeg bruger også skalering (størrelse) som en metode. Skalering af et lille værk (tegning) til et stort værk, dette er billed-mæssigt en metode baseret på det endeløse og ligeglade grid og en frit bevægende enhed.

 

Min tilgang til både intens og delikat farve er et metaforisk greb for de hårde aspekter af vores følelsesmæssige liv sammen med de øjeblikke, der er søde og fulde af kærlighed, vitaliteten af ​​menneskelig følelse sat i balance og løftet til lethed.

 

Den formelle brug af collage og re-sampling af billeder af kunsthistorien er baseret på min ide om kollektiv hukommelse og brugt med et håb om en følelse af frihed til at beslutte hvem vi er. Som kvindelig kunstner arbejder med at genbruge nogen af kunsthistoriens kliche’er for at forandre betydningen af ​​det originale billede. En tilgang, der søger friheden til at gøre hvad hun vil med historien for en mere sund, etisk og holistisk tilgang til selvet.

 

 

2018 copyright, all rights reserved augusta atla + member of VISDA

 

info@augustaatla.com

 

Strandgade 10A

1401 Copenhagen K

Denmark

 

+ atelier in Greece